FOTO ORIGINAL
PUNTILLISMO
CUBISMO
CARICATURA
RUPESTRE
miércoles, 27 de mayo de 2009
Foto Familiar
Aqui les muestro una foto de mi Familia (Papa, Mama, hermano y abuela) en distintos tipos de arte.
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jueves, 21 de mayo de 2009
EXPO300
Autor: PEDRO NEL SÁNCHEZ MOLINA
Creada: febrero 18 de 2009
En el Museo de Arte Moderno, se inauguro una muy buena exposición titulada: ‘300% Spanish Design - 100 sillas - 100 lámparas - 100 carteles’. En ella, pude ver una gran variedad de objetos diseñados por artistas españoles en los últimos 100 años como Picasso, Gaudí, Miró, Dalí, Tusquets, Mariscal, Moneo y Hayón, esta exposición tuvo como punto de partida el lejano oriente: Originalmente '300% Spanish Design' se concibió como parte del programa cultural del Pabellón de España en la Exposición Universal Aichi 2005 (Japón), y que se expuso en el Museo de Arte Moderno de Saitama.
Esta colección demuestra que España ha estado presente y aportada con lujo de detalles al diseño del siglo XX. También refleja que España quiere profundizar en su vocación creativa y comunicarla, y que afronta el siglo XXI apostando por la innovación y el diseño de calidad proyectado hacia el mundo entero. Con todo ello se pretende dar una visión completa del poder creativo español y mostrar las señas de identidad que nos caracterizan y singularizan dentro del cada vez más homogeneizado panorama mundial.
Esta exposición nos muestra básicamente tres clases de piezas que son elementos cotidianos fundamentales.
La silla 'es el diseño por antonomasia', la lámpara es 'un producto que sirve para dar la luz' y el cartel 'es uno de los primeros diseños gráficos del hombre'.
EXPOSICION EN EL MAMBO:
‘300% Spanish Design - 100 sillas - 100 lámparas - 100 carteles’
En general toda la exposición me pareció espectacular existe una gran variedad de formas, conceptos y puntos de vista, pero para me gusto personal las 100 sillas llamaron mas mi atención, pude ver una gran variedad de formas y colores que salen totalmente de lo convencional, siendo las sillas algo indispensable y que uno piensa que es muy normal, estas 100 sillas tienen demasiada creatividad y a la misma vez funcionalidad, aparte se pueden tomar como elemento decorativo.
Mi silla favorita es la siguiente:
Considero que tiene una sencillez gracias a su color y la limpieza de su forma, pero a la misma vez tiene una complejidad a la hora de trabajar el material, pero estéticamente y visualmente llama mucho la atención, y su funcionalidad es evidente.
Creada: febrero 18 de 2009
En el Museo de Arte Moderno, se inauguro una muy buena exposición titulada: ‘300% Spanish Design - 100 sillas - 100 lámparas - 100 carteles’. En ella, pude ver una gran variedad de objetos diseñados por artistas españoles en los últimos 100 años como Picasso, Gaudí, Miró, Dalí, Tusquets, Mariscal, Moneo y Hayón, esta exposición tuvo como punto de partida el lejano oriente: Originalmente '300% Spanish Design' se concibió como parte del programa cultural del Pabellón de España en la Exposición Universal Aichi 2005 (Japón), y que se expuso en el Museo de Arte Moderno de Saitama.
Esta colección demuestra que España ha estado presente y aportada con lujo de detalles al diseño del siglo XX. También refleja que España quiere profundizar en su vocación creativa y comunicarla, y que afronta el siglo XXI apostando por la innovación y el diseño de calidad proyectado hacia el mundo entero. Con todo ello se pretende dar una visión completa del poder creativo español y mostrar las señas de identidad que nos caracterizan y singularizan dentro del cada vez más homogeneizado panorama mundial.
Esta exposición nos muestra básicamente tres clases de piezas que son elementos cotidianos fundamentales.
La silla 'es el diseño por antonomasia', la lámpara es 'un producto que sirve para dar la luz' y el cartel 'es uno de los primeros diseños gráficos del hombre'.
EXPOSICION EN EL MAMBO:
‘300% Spanish Design - 100 sillas - 100 lámparas - 100 carteles’
En general toda la exposición me pareció espectacular existe una gran variedad de formas, conceptos y puntos de vista, pero para me gusto personal las 100 sillas llamaron mas mi atención, pude ver una gran variedad de formas y colores que salen totalmente de lo convencional, siendo las sillas algo indispensable y que uno piensa que es muy normal, estas 100 sillas tienen demasiada creatividad y a la misma vez funcionalidad, aparte se pueden tomar como elemento decorativo.
Mi silla favorita es la siguiente:
Considero que tiene una sencillez gracias a su color y la limpieza de su forma, pero a la misma vez tiene una complejidad a la hora de trabajar el material, pero estéticamente y visualmente llama mucho la atención, y su funcionalidad es evidente.
lunes, 18 de mayo de 2009
GUNTHER VON HAUGENS
GUNTHER VON HAUGENS
Gunther von Hagens, el creador de la plastificación de cuerpos humanos, empezó sus estudios médicos en la Universidad de Jena en 1965.
A partir de 1977, Hagens desarrolló uno de estos métodos, una "plastificación" que, con recursos técnicos sorprendentes, logra preservar los tejidos de una manera perfecta, que da la sensación de que están vivos. Utiliza el vacío para embeber un polímero reactivo, como la silicona de caucho o poliéster, en el material biológico. La clase de polímero que se aplica determina las propiedades físicas (flexibilidad o rigidez) y ópticas (transparencia u opacidad). El resultado final convierte a los ejemplares en objetos secos, inodoros y durables. Y aún más: retienen forma y relieve original y la identidad celular. Para lograr esto el proceso requiere cuatro pasos: fijación, deshidratación, impregnación forzada y "curado".
La idea del artista es, además de mostrar un trabajo que tiene valores artísticos, ser didáctico y enseñarle a las personas cómo funciona un cuerpo humano.
Claro que Gunther von Hagens usa en su exposición cuerpos reales, sólidos, en tres dimensiones. El efecto es mucho más impactante. Logra unos escenarios de rara —y chocante— estética al usar cuerpos de adultos, niños y también fetos.
La muestra "Body Worlds" se estrenó en Japón en 1996 y llegó un tiempo después a Londres, causando un enorme ruido, protestas y controversias
Como todo artísta ama a su obra pero ésta no es de objetos muertos, sino que se forma con reales cadáveres plastificados. Y como lo inerte no le basta en la proxima exposición coloca cadáveres “robot”, es decir que ha hecho que se muevan ciertas partes del cuerpo, como los ojos.
En París y en Munich se prohibieron sus exposiciones, al comprobarse que la mayoría de la materia prrima provenía de China.
El Doctor Muerte tiéne su factoría en China, utiliza mano de obra china y tambien materiales cadáveres chinos. En la presente exposioión hay 300 cadáveres trabajados de diversas formas y solamente de unos pocos como por ejemplo la pareja realizando un acto sexual, se conoce algo de ellos
http://www.youtube.com/watch?v=wZL1bJdreqA
Gunther von Hagens, el creador de la plastificación de cuerpos humanos, empezó sus estudios médicos en la Universidad de Jena en 1965.
A partir de 1977, Hagens desarrolló uno de estos métodos, una "plastificación" que, con recursos técnicos sorprendentes, logra preservar los tejidos de una manera perfecta, que da la sensación de que están vivos. Utiliza el vacío para embeber un polímero reactivo, como la silicona de caucho o poliéster, en el material biológico. La clase de polímero que se aplica determina las propiedades físicas (flexibilidad o rigidez) y ópticas (transparencia u opacidad). El resultado final convierte a los ejemplares en objetos secos, inodoros y durables. Y aún más: retienen forma y relieve original y la identidad celular. Para lograr esto el proceso requiere cuatro pasos: fijación, deshidratación, impregnación forzada y "curado".
La idea del artista es, además de mostrar un trabajo que tiene valores artísticos, ser didáctico y enseñarle a las personas cómo funciona un cuerpo humano.
Claro que Gunther von Hagens usa en su exposición cuerpos reales, sólidos, en tres dimensiones. El efecto es mucho más impactante. Logra unos escenarios de rara —y chocante— estética al usar cuerpos de adultos, niños y también fetos.
La muestra "Body Worlds" se estrenó en Japón en 1996 y llegó un tiempo después a Londres, causando un enorme ruido, protestas y controversias
Como todo artísta ama a su obra pero ésta no es de objetos muertos, sino que se forma con reales cadáveres plastificados. Y como lo inerte no le basta en la proxima exposición coloca cadáveres “robot”, es decir que ha hecho que se muevan ciertas partes del cuerpo, como los ojos.
En París y en Munich se prohibieron sus exposiciones, al comprobarse que la mayoría de la materia prrima provenía de China.
El Doctor Muerte tiéne su factoría en China, utiliza mano de obra china y tambien materiales cadáveres chinos. En la presente exposioión hay 300 cadáveres trabajados de diversas formas y solamente de unos pocos como por ejemplo la pareja realizando un acto sexual, se conoce algo de ellos
http://www.youtube.com/watch?v=wZL1bJdreqA
TEO JHANSEN
http://www.youtube.com/watch?v=a7Ny5BYc-Fs&feature=player_embedded
"Desde hace quince años, el holandés Theo Jansen se ha dedicado en cuerpo y alma a crear una nueva forma de vida. Sus "Strandbeest" (bestias de la playa) parecen tan orgánicas que desde lejos se confundirían con inmensos insectos o esqueletos de mamuts prehistóricos, pero están hechas a partir de materiales de la era industrial: tubos de plástico flexible, cinta adhesiva. Nacen dentro de un ordenador en forma de algoritmo, pero no requieren motores, sensores o ninguna clase de tecnología avanzada para cobrar vida. Se mueven gracias a la fuerza del viento y a la arena mojada que encuentran en su hábitat de la costa holandesa.
Desde su laboratorio de Ypenburg, Jansen estudia la historia de la evolución biológica para dotar a sus nuevas generaciones de criaturas de capacidades cada vez mayores. Su sueño es que algún día aprendan a evolucionar sin su intervención y continuen sus vidas como cualquier otro organismo, sometidas a los ciclos de la naturaleza.
Todos los que observan por primera vez la belleza de una de las criaturas de Theo Jansen desplazándose sobre la arena entienden de inmediato que el trabajo de este ingeniero, científico y artista es algo especial. Sin embargo, durante más de una década ha permanecido en la oscuridad y sólo recientemente ha sido descubierto por la comunidad artística internacional. En la pasada década deslumbrada por la revolución digital, su obra podía parecer rudimentaria, sobre todo en comparación con la sofisticada producción que estaban realizando sus coetáneos en el campo del arte robótico. Hoy, en la era en que la convivencia entre la técnica y la naturaleza en pos de la sostenibilidad es una prioridad urgente, sus estrategias de diseño resultan más relevantes que nunca.
Las criaturas de Jansen comienzan su gestación como una simulación dentro de un ordenador, en forma de organismos de vida artificial que compiten entre sí por ser el más veloz. Jansen estudia las criaturas vencedoras y las reconstruye tridimensionalmente con tubos flexibles y ligeros, hilos de nylon y cinta adhesiva. Aquellas que se desplazan más eficazmente donarán su "ADN" (la longitud y disposición de los tubos que forman sus partes móviles) a las siguientes generaciones de Standbeest. A través de este proceso de hibridación y evolución darwiniana, las criaturas se vuelven cada vez más capaces de habitar su entorno, y pueden incluso tomar decisiones para asegurar su supervivencia; el "Animaris Sabulosa", por ejemplo, hunde su nariz en la arena para anclarse si detecta que el viento es demasiado fuerte para permanecer en pie.
Jansen trabaja ya en la séptima generación de criaturas de la playa. Sus últimas piezas pueden incluso transportar pasajeros en su interior -el "Animaris Rhinozeros", un gigante de dos toneladas de peso que puede ser movido por sólo una persona- y llegar hasta donde no haya viento ni arena, gracias a un ingenioso sistema de impulsión basado en aire comprimido almacenado en botellas de refrescos.
En el futuro, el artista holandés prevee que sus creaciones se volverán cada vez más sofisticadas anatómicamente: desarrollarán músculos, un sistema nervioso, y algún tipo de cerebro que les permita tomar decisiones complejas. Y un día, anhela, las criaturas de la playa no le necesitarán para seguir evolucionando. Manadas completas en las playas competirán por ser las más veloces y estables, y transmitirán de manera autónoma su ADN a las siguientes generaciones, integradas ya por completo en su ecosistema.
Tras abandonar sus estudios de física, Theo Jansen empezó su carrera artística en los 70 como pintor. Posteriormente se comenzó a interesar por áreas como la aeronáutica y la robótica. Su "UFO" (OVNI), una aeronave con forma de platillo volante con la que aterrorizaba a los habitantes de la ciudad holandesa de Delft, y su "máquina de pintar", un robot que traza graffitis sobre una pared, mostraron su habilidad para aplicar sus conocimientos de ingeniería a diferentes proyectos artísticos. A comienzos de los 80, Jansen comenzó a crear programas de simulación algorítimica de vida artificial. Su interés por diseñar organismos vivos y autónomos a través de software le lleva a iniciar su serie de esculturas cinéticas "Strandbeest", el proyecto que le ha proporcionado un reconocimiento a nivel internacional. Entre otros galardones, Jansen ha recibido el premio especial del jurado en Ars Electronica 2005.
http://www.youtube.com/watch?v=a7Ny5BYc-Fs&feature=player_embedded
"Desde hace quince años, el holandés Theo Jansen se ha dedicado en cuerpo y alma a crear una nueva forma de vida. Sus "Strandbeest" (bestias de la playa) parecen tan orgánicas que desde lejos se confundirían con inmensos insectos o esqueletos de mamuts prehistóricos, pero están hechas a partir de materiales de la era industrial: tubos de plástico flexible, cinta adhesiva. Nacen dentro de un ordenador en forma de algoritmo, pero no requieren motores, sensores o ninguna clase de tecnología avanzada para cobrar vida. Se mueven gracias a la fuerza del viento y a la arena mojada que encuentran en su hábitat de la costa holandesa.
Desde su laboratorio de Ypenburg, Jansen estudia la historia de la evolución biológica para dotar a sus nuevas generaciones de criaturas de capacidades cada vez mayores. Su sueño es que algún día aprendan a evolucionar sin su intervención y continuen sus vidas como cualquier otro organismo, sometidas a los ciclos de la naturaleza.
Todos los que observan por primera vez la belleza de una de las criaturas de Theo Jansen desplazándose sobre la arena entienden de inmediato que el trabajo de este ingeniero, científico y artista es algo especial. Sin embargo, durante más de una década ha permanecido en la oscuridad y sólo recientemente ha sido descubierto por la comunidad artística internacional. En la pasada década deslumbrada por la revolución digital, su obra podía parecer rudimentaria, sobre todo en comparación con la sofisticada producción que estaban realizando sus coetáneos en el campo del arte robótico. Hoy, en la era en que la convivencia entre la técnica y la naturaleza en pos de la sostenibilidad es una prioridad urgente, sus estrategias de diseño resultan más relevantes que nunca.
Las criaturas de Jansen comienzan su gestación como una simulación dentro de un ordenador, en forma de organismos de vida artificial que compiten entre sí por ser el más veloz. Jansen estudia las criaturas vencedoras y las reconstruye tridimensionalmente con tubos flexibles y ligeros, hilos de nylon y cinta adhesiva. Aquellas que se desplazan más eficazmente donarán su "ADN" (la longitud y disposición de los tubos que forman sus partes móviles) a las siguientes generaciones de Standbeest. A través de este proceso de hibridación y evolución darwiniana, las criaturas se vuelven cada vez más capaces de habitar su entorno, y pueden incluso tomar decisiones para asegurar su supervivencia; el "Animaris Sabulosa", por ejemplo, hunde su nariz en la arena para anclarse si detecta que el viento es demasiado fuerte para permanecer en pie.
Jansen trabaja ya en la séptima generación de criaturas de la playa. Sus últimas piezas pueden incluso transportar pasajeros en su interior -el "Animaris Rhinozeros", un gigante de dos toneladas de peso que puede ser movido por sólo una persona- y llegar hasta donde no haya viento ni arena, gracias a un ingenioso sistema de impulsión basado en aire comprimido almacenado en botellas de refrescos.
En el futuro, el artista holandés prevee que sus creaciones se volverán cada vez más sofisticadas anatómicamente: desarrollarán músculos, un sistema nervioso, y algún tipo de cerebro que les permita tomar decisiones complejas. Y un día, anhela, las criaturas de la playa no le necesitarán para seguir evolucionando. Manadas completas en las playas competirán por ser las más veloces y estables, y transmitirán de manera autónoma su ADN a las siguientes generaciones, integradas ya por completo en su ecosistema.
Tras abandonar sus estudios de física, Theo Jansen empezó su carrera artística en los 70 como pintor. Posteriormente se comenzó a interesar por áreas como la aeronáutica y la robótica. Su "UFO" (OVNI), una aeronave con forma de platillo volante con la que aterrorizaba a los habitantes de la ciudad holandesa de Delft, y su "máquina de pintar", un robot que traza graffitis sobre una pared, mostraron su habilidad para aplicar sus conocimientos de ingeniería a diferentes proyectos artísticos. A comienzos de los 80, Jansen comenzó a crear programas de simulación algorítimica de vida artificial. Su interés por diseñar organismos vivos y autónomos a través de software le lleva a iniciar su serie de esculturas cinéticas "Strandbeest", el proyecto que le ha proporcionado un reconocimiento a nivel internacional. Entre otros galardones, Jansen ha recibido el premio especial del jurado en Ars Electronica 2005.
miércoles, 15 de abril de 2009
Honoré Daumier
Honoré Daumier
(Marsella, 1808-Valmondois, Francia, 1879) Caricaturista, pintor y escultor francés. Destacó sobre todo como caricaturista, con litografías de sátira política, social y de costumbres que aparecieron en publicaciones periódicas como
Vida y obra
Honoré Daumier nació el año 1808 en la ciudad de Marsella, pero siendo niño debió trasladarse a París junto con su familia. En París, muy joven trabajo como ujier en un tribunal de justicia y cadete en una librería, luego se dedicó a estudiar pintura y dibujo. De este modo dio inicio a su carrera de artista realizando trabajos en xilografía y la ilustración de anuncios publicitarios en los que se nota el influjo de Charlet.
En 1828 comenzó sus primeras litografías para el diario
En 1835debido a la instalación de la censura en Francia, Daumier evitó la caricatura política directa y en su lugar se dedicó a ridiculizar las convenciones y costumbres entonces imperantes.
Retornó a la sátira política con
También son muy valoradas sus esculturas y bustos de yeso (escayola) y bronce que realizaba principalmente para que le sirvieran de modelos al realizar sus ilustraciones.
Sus grabados se destacan por la mordacidad descarnada y sin embargo de matices exquisitos y líneas nada exentas de sutileza, al trabajar sarcásticamente los rostros, las expresiones, los gestos, con precisas exageraciones logra dar noción de la personalidad de los sujetos representados. Es interesante notar en sus litografías el sabio uso de las combinaciones cromáticas para lograr sus cometidos de expresar situaciones emotivas en un ámbito social (existe aquí un influjo -morigerado- desde la obra de Goya); sus litografías tienen una calidad muy próxima a la pintura, en cuanto a su menos conocida pintura, se caracteriza por un patetismo logrado con masas oscuras y contrastes de colores fríos y cálidos, es así que si en sus últimos tiempos Daumier recibió influjos de los impresionistas, él previamente había ya influido en ellos, pero no queda en esto la gravitación de Daumier, también ha influido sobre los expresionistas, por ejemplo en Nolde, Ernst Barlach y Ensor.
En 1865 conociendo la grave situación económica por la cual pasaban Daumier y su esposa, su amigo el escultor Geoffroy Dechaume les convenció para que fueran a vivir a Valmondois (en Val d'Oise) donde su otro amigo, Corot, les prestó una pequeña casa en el centro del pueblo; allí falleció Daumier.
Principales obras
Daumier realizó cerca de 4000 litografías, 300 dibujos y 200 pinturas así como decenas de esculturas. Entre sus grabados y pinturas se destacan:
- Gargantúa (1831)
- Un héroe en julio(1832)
- El vientre legislativo (1832)
- La libertad de imprenta (1832)
- El miembro de todas las academias (1842)
- Los emigrantes, también conocido como Los fugitivos, (1852-1855)
- Los ladrones y el asno (h. 1858)
- El melodrama (h. 1860)
- El levantamiento
- El primer baño
- Charles Philipon
- La lavandera (1863)
- El vagón de tercera (1862-1864)
- Gente de Justicia, en francés: "Les Gens de Justice" (h. 1845-1848). Esta importante serie consta de 41 impresiones, que apareció en Le Charivari entre marzo de 1845 y octubre de 1848 (con la excepción de Nos. 26 y 39, que se había publicado fuera de Le Charivari). Existe una 42a. impresión que sin embargo sigue siendo inédito.
- Don Quijote y Sancho Panza o Don quijote (h. 1868)
Two Sculptors
Undated (150 Kb); Oil on wood, 11 x 14 in; The Phillips Collection, Washington, D.C.
- Wandering Saltimbanques
c. 1847-50 (130 Kb); Oil on wood, 32.6 x 24.8 cm (12 7/8 x 9 3/4 in); The National Gallery of Art, Washington, D.C.
-
The Burden (The Laundress)
c. 1850-53 (110 Kb); Oil on canvas, 130 x 98 cm (51 1/8 x 38 5/8 in); The Hermitage, St. Petersburg; No. 3K 1500. Formerly collection Gerstenberg/Scharf, Berlin
-
The Uprising
c. 1860 (190 Kb); Oil on canvas, 87.6 x 113 cm (34 1/2 x 44 1/2 in); The Phillips Collection, Washington, D.C.
-
The Print Collector
1857-63 (40 Kb); Oil on panel; The Art Institute of Chicago
-
Laveuse au Quai d'Anjou (Laundress on the Quai d'Anjou)
c. 1860 (170 Kb); Oil on wood panel, cradled, 28.5
Don Quixote and the Dead Mule1867 (180 Kb); 132.5 x 54.5 cm, Musee d
The Third-Class Carraige1863-65 (150 Kb); Oil on c
Honoré Daumier, Journal La Caricature, n°166 « Le passé, le présent, l’avenir » © BnF / dpt. Estampes et photographie
| PC1970.61 Honoré Daumier French (1808-1879) from the Robert Macaire series: 1837 |  | PC1970.65 Honoré Daumier French (1808-1879) from the Emotionnes Parisiennes series: 1839 |  |
http://www.youtube.com/watch?v=WVVgN9FaZcE
http://www.youtube.com/watch?v=WVVgN9FaZcE
jueves, 19 de febrero de 2009
DIEGO VELASQUEZ
Los Borrachos, El Triunfo de Baco
Autor:Velázquez
Fecha:1628-29
Museo:Museo del Prado
Características:165 x 188 cm.
Material:Oleo sobre lienzo
Estilo: Posiblemente sea ésta una de las obras de Velázquez más famosas y reproducidas; fue pintada para Felipe IV entre 1628-1629, siendo pagada el 22 de julio de 1629. El artista quiso representar a Baco como el dios que obsequia al hombre con el vino, que lo libera, al menos de forma temporal, de sus problemas cotidianos, por lo que Baco se convierte en uno de los borrachos que participan en la fiesta, diferenciándose de los demás por su piel más clara. El asunto ha sido tratado como una escena realista y popular, del mismo modo que si estuviésemos ante una merienda de amigos en el campo; por esto el título original ha sido sustituido popularmente por "Los Borrachos". Se ha supuesto que el tema mitológico y el aire divertido de la obra fueron sugeridos por Rubens, en aquellos momentos en Madrid. La escena puede dividirse en dos mitades: la izquierda, con la figura de Baco muy iluminada, cercana al estilo italiano inspirado en Caravaggio, y la derecha, con los borrachines, hombres de la calle que nos invitan a participar en su fiesta, con un aire muy español similar a Ribera. En esta obra, Velázquez introduce un aspecto profano a un asunto mitológico, en una tendencia que cultivará aún más en los siguientes años.
Velázquez. Diego Rodríguez de Silva Velázquez
Nacionalidad: EspañaSevilla 1599 - Madrid 1660
Pintor
Estilo: Barroco Español
Escuela: Barroco sevillano, Escuela Española
Obras: 109
Obras: 109
Diego Rodríguez de Silva y Velázquez, pintor barroco español, nació en Sevilla en 1599. A los once años inicia su aprendizaje en el taller de Francisco Pacheco donde permanecerá hasta 1617, cuando ya es pintor independiente. Al año siguiente, con 19 años, se casa con Juana Pacheco, hija de su maestro, hecho habitual en aquella época, con quien tendrá dos hijas. Entre 1617 y 1623 se desarrolla la etapa sevillana, caracterizada por el estilo tenebrista, influenciado por Caravaggio, destacando como obras El Aguador de Sevilla o La Adoración de los Magos. Durante estos primeros años obtiene bastante éxito con su pintura, lo que le permite adquirir dos casas destinadas a alquiler. En 1623 se traslada a Madrid donde obtiene el título de Pintor del Rey Felipe IV, gran amante de la pintura. A partir de ese momento, empieza su ascenso en la Corte española, realizando interesantes retratos del rey y su famoso cuadro Los Borrachos. Tras ponerse en contacto con Peter Paul Rubens, durante la estancia de éste en Madrid, en 1629 viaja a Italia, donde realizará su segundo aprendizaje al estudiar las obras de Tiziano, Tintoretto, Miguel Ángel, Rafael y Leonardo. En Italia pinta La Fragua de Vulcano y La Túnica de José, regresando a Madrid dos años después. La década de 1630 es de gran importancia para el pintor, que recibe interesantes encargos para el Palacio del Buen Retiro como Las Lanzas o los retratos ecuestres, y para la Torre de la Parada, como los retratos de caza. Su pintura se hace más colorista destacando sus excelentes retratos, el de Martínez Montañés o La Dama del Abanico, obras mitológicas como La Venus del Espejo o escenas religiosas como el Cristo Crucificado. Paralelamente a la carrera de pintor, Velázquez desarrollará una importante labor como cortesano, obteniendo varios cargos: Ayudante de Cámara y Aposentador Mayor de Palacio. Esta carrera cortesana le restará tiempo a su faceta de pintor, lo que motiva que su producción artística sea, desgraciadamente, más limitada. En 1649 hace su segundo viaje a Italia, donde demuestra sus excelentes cualidades pictóricas, triunfando ante el papa Inocencio X, al que hace un excelente retrato, y toda la Corte romana. Regresa en 1651 a Madrid con obras de arte compradas para Felipe IV. Estos últimos años de la vida del pintor estarán marcados por su obsesión de conseguir el hábito de la Orden de Santiago, que suponía el ennoblecimiento de su familia, por lo que pinta muy poco, destacando Las Hilanderas y Las Meninas. La famosa cruz que exhibe en este cuadro la obtendrá en 1659. Tras participar en la organización de la entrega de la infanta María Teresa de Austria al rey Luis XIV de Francia para que se unieran en matrimonio, Velázquez muere en Madrid el 6 de agosto de 1660, a la edad de 61 años.
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